关于牙舟陶传统工艺探析论文
1、牙舟陶传统工艺传承方式
传统工艺是地域文化的一部分，即使同一种工艺，因所在地域不同也有差异性，因而呈现出鲜明的地方特色，这是传统工艺传承中应保留的。工艺因需要而产生，没有了使用价值，传统工艺就会消失，而能满足人们生活需要的、新的工艺会产生、发展。今天的生活因科技等因素时时发生变化，全球化渗入了大众生活的方方面面，差异性变得弥足珍贵，但也不能因延续工艺而要求任何地区的人们将生活状态锁定在过去的时间点上，这不可能也不公平。因此，保护和延续传统工艺需要在实际的生产过程中进行，根据其融入现在生活的形式采取不同的传承方式。牙舟陶传统工艺的传承也如此。根据牙舟陶传统工艺的特点，以文化生产的方式，转化进入商业市场，介入大众生活，使工艺不断被使用，以此持续传承和发展。
1.1传统工艺介入文化旅游
牙舟陶传统工艺制作现场为文化旅游开放。陶瓷文化在中国源远流长，而陶瓷制作对人们来说是即熟悉又陌生。每个产区都有独特的制陶文化和形式，观赏、体验制陶技艺是非常好的文化旅游体验项目。在国外很多陶瓷产地或品牌生产商已经广泛实行此旅游形式，如英国的韦奇伍德(Wedgwood)是国际知名的制瓷品牌，因竞争的压力目前运营状况不佳，而作为一个重要的文化代表，他们开放生产过程，让参观者了解他们的工艺制作过程，这不仅传播了工艺文化，也让更多的人知道其品牌价值，这种无声胜有声的传播方式扩大了品牌影响也带动了地区经济。牙舟陶传统工艺为全手工技艺，具有很好的观赏性和参与性。游客可观赏制泥、上釉等工艺过程，了解泥刀砍泥、踩泥等较古老的制泥方式；可以参与制作，自由表现自己的创意；可以观赏柴窑烧制的过程，鉴别柴烧与气窑烧制的陶器的区别，感受窑变的奇妙。牙舟陶的传统工艺在人们参与中进行传播。笔者在牙舟创作时，多次遇到游客，他们对制陶工艺非常好奇，就邀请他们一起制陶，教一些制陶技艺，他们很兴奋的参与其中，整个制作过程充满欢乐，制作的成果更是让他们津津乐道。艺人与体验着直接交流，体验者的热情使艺人们感觉到工艺的有用性，同时得到一定的经济利益，给予他们传承的信心，且这种形式有效的推广牙舟陶传统工艺的认知度，也是保持完整传统工艺的重要方式。
1.2传统工艺进学校课堂
手工艺实践课程是体验式教学的一种，课程可丰富学生的传统文化知识和动手能力，与现在倡导的`素质教育并行不悖。陶瓷文化因地域不同，制作工艺、表现形式、烧成方式等方面存在差别。学校开设牙舟陶传统工艺的实践课程，学生们既可体验制陶工艺，陶冶情操，也可为工艺传承培养后继者。牙舟陶产自黔南都匀市牙舟镇，它辐射的范围在贵阳、黔南、黔东南地区。这些地区的学校开设牙舟陶工艺课程，在泥料运输等条件便利，且能较好的保持地域文化特色。目前牙舟镇的部分中小学已经开设牙舟陶传统工艺制作课程，学校聘请当地艺人教授学生传统制陶方法和工艺，学生自由创作。据给小学生上课的老艺人张富高讲，他讲解、示范做陶时也讲一些相关的民俗故事，学生很感兴趣，学生们由此创作出的千奇百怪的作品给他很多启发和快乐。都匀学院也聘请了艺人给在校的大学生上牙舟陶传统工艺选修课，学生兴致很高。这说明传统工艺进课堂是可行的，不仅牙舟陶制作技艺得到传承，地域文化习俗也得到传播，丰富牙舟陶传承方式，为发展积淀创新的力量。
1.3产品开发
任何传统工艺都深植于生活，一种工艺体现、承载着一种生活。当工艺与生活不相适宜时，工艺就会转变或消失，延续工艺的方式就是使其融入当下生活。因此，要根据生活的需求不断改进、开发产品，逐渐形成带有地方文化特征的系列产品，向文化品牌发展。牙舟陶是具有地域性的文化产品，受资源等因素的影响，不适宜进行大规模的工业生产，更适宜生产小批量的特色旅游工艺品及当地需要的日用器物。工艺品是将美与生活统一起来的器物，能融入当下生活。产品与当下生活需求保持同步是保持市场竞争力的必要。笔者自2022年至今常到牙舟考察及进行作品创作，与牙舟陶经营者们交流产品创新时，了解到设计人才缺乏是他们面临的重要问题。2022年带学生到张禄祺“牙舟古陶工艺美术厂”进行传统工艺的实践创作，学生在此学习牙舟陶的传统工艺并进行作品创作。学生与艺人进行交流中，相互学习，取长补短。学生创作的作品在后期举行的课程成果展中得到较高的评价，很受欢迎。企业与学校合作进行产品开发，即解决了企业研发力量不足，也为学生深入了解传统工艺提供了条件。
1.4传统工艺改良
传统技艺具有流变性，我们现在所看到的各种手工艺，也经过了不断改良，以适应需求。在生产性方式保护的过程中，积极利用传统技艺的流变性，在不改变工艺文化本质的基础上进行改良，使其在当代产业体系的生产实践中得到积极保护，实现文化保护与经济开发的良性互动。牙舟陶传承受到原料、制作、烧成等因素的制约。工艺改良在尊重传统的基础上进行，遵循降低能耗、污染，提高成品率的原则，保持材料、技艺、风格的独特性。牙舟陶传统工艺工序多，2022年断烧期过后没有进行严谨的传承研究，以前的技师转向其他工作，工艺传承出现断层，致使工艺瑕疵出现较多。如釉的色彩及流动性是其重要特点，各个作坊对釉的调配没有进行系统的考究，釉的成分没量化，配釉仅根据其师傅的感觉进行配比，无法控制流动的度，经常出现粘底现象，且呈色不稳定。这方面需要调整釉料的配比，保持牙舟陶的色彩特质，使流动性与烧成温度相结合，进行量化，使可控；窑炉修建及烧窑控温不当造成成品率低。牙舟陶传统烧制是柴窑，现在掌握修建柴窑技术的师傅年事已高，柴窑烧制火候不易掌握，且柴窑对环境的污染较大，可以保留少量的柴窑，烧有特殊要求的工艺品或作品。对于普通的日用、及旅游品可以采用气窑、电窑，自动控温技术便于掌握，应用现代科技提高成品率，降低成本，也保护了环境。目前牙舟有两家已接受工艺改良，成效显著。
2小结
非物质文化遗产的文化差异性是其本质，应结合地域文化、发展现状进行探索。牙舟陶传统工艺传承以文化产品或提供文化服务的形式进入市场，既强调继承性，又重视发展性；既强调精神性，又重视经济性，因地制宜的保护传承。保持以手工生产方式为主导，实现活态保护，以文化传播为辅助，让它们存在于所在民族、地区的文化土壤中。在品牌塑造、设计创新、工艺改良、文化传承等文化生产领域中寻找恰当的方式，结合社会经济、科技的发展进行传承和保护。
传统工艺发展中美学传承探析论文
摘要：本文旨在探讨斲琴历史与美学价值。文章以香港琴人蔡昌寿为例，介绍了斲琴传统手工艺在香港的保存与传承现状。笔者希望通过对斲琴艺术的探讨，提高学界对古琴艺术多方面发展的关注，从而完善古琴艺术的发展与传承。
关键字：斲琴;天人合一;蔡昌寿;古琴传承;非物质文化遗产
古琴是中国最古老的乐器之一，亦是文人生活不可或缺之物。古时称为“琴”或“瑶琴”及“七弦琴”。古琴在孔子时期已盛行，据《史记》记载，琴的出现不晚于尧舜时期。1919年北京大学音乐研究会所设古琴组将“琴”首称为“古琴”，以区别于胡琴、扬琴等乐器。近年，古琴艺术被列入香港“国家级非物质文化遗产”，再次引起本港对古琴艺术的关注。古琴的古老传统除了弹琴艺术外，更有斲琴（“斲”音琢，古人称造琴为斲琴）、造弦等的技艺。传统斲琴技术是古琴艺术的重要组成部分。
一、琴制尚象论
古琴琴器本身就是精致考究的艺术品。古琴琴身的造型设计构造大致确定于汉代。琴身面如覆瓦，底平直，而覆瓦是中国历朝历代和平的象征。古琴通长约三尺六寸五（约120－125厘米），象征一年的365天或周天365度。十三个徽位代表一年12个月和4年的一个闰月。古琴的整体构造类似于人体的生理特征，模拟人体各个部位而制，具有头、颈、肩、腰、尾几个部分，强调身心的和谐发展，具备传统阴阳平衡的“和”思想。形体设计中“和”的思想还体现在优美线条的运用。与西方对立体造型的艺术追求不同，在中国的艺术形式中，如绘画、音乐、园林等，多以“线性”为形态特征。古琴线条一般分为曲线与直线。曲线体现阴柔之美，而直线则体现阳刚之美，曲与直，柔与刚，正是对立统一辩证关系的呈现。斲琴家善于自然巧妙地结合曲线与直线，创造出优雅或阳刚的古琴形式。例如，“正合式”主刚，挺拔有力；落霞式主柔，柔美流畅；而在常见的古琴形式中，“仲尼式”、“伏羲式”、“灵机式”等款式形体则刚中含柔。无独有偶，古琴的形制也体现出琴器结构与自然、象数间的渊源。如《太古遗音》所述：“古先圣贤造琴。其状不一。而制度尚象则有定式。琴额长二寸四分。以象二十四气。岳广三分……”。琴头岳山象征高山，琴弦象征流水。琴的底部有两个音槽，位于中部较大的称为“龙池”，位于尾部较小的称为“凤沼”。琴弦之“流水”于此形成一个循环。此谓上山下泽，有龙有凤，象征天地万象。支撑琴的一对脚称为“雁足”。饶有意味的是，古琴设计中古雅的命名︰龙池、凤沼、雁足，均以图腾尚象构成琴器各部位名称，体现出琴式产生之初有着深远的尚象情怀。中国祖先的乐器制造往往与对宇宙的理解一致。用心品琴，其形已使人心怡。而古琴审美价值之高与其制作工艺密不可分。
二、琴材与造琴
斲琴工艺精致且复杂，其工序分为寻、斲、挖、镶、合、灰、磨、漆、弦九个步骤。斲琴之道需顺应自然，首先，如何使挑选的良材与各个部件搭配相宜，需要足够的经验与技艺，也为历代斲琴名师所注重。《太古遗音》不仅对传统的琴式进行了论述，在琴材的鉴别方面，其中的“琴材论”如是论良材：“乐由阳来，虚所生也。故庄子曰：乐出虚。夫虚则通，实则凝，凝而不通，乐何由作。惟桐之材，其心虚，而理梳。理梳则虚，不特其心而在体。举则轻，击则松，折则脆，抚则滑，轻松脆滑，谓之四善。”“轻、松、脆、滑”不仅作为琴材四善，也充分体现在明代冷谦的“琴声十六法”中对琴音色及技巧的标准（轻、松、脆、滑、高、洁、清、虚、幽、奇、古、淡、中、和、疾、徐），从而构成古琴艺术从斲琴到演奏，一脉相承的审美理念。由此可见，古琴演奏不只是纠缠于形式与技巧的技艺，更需要了解斲琴到品琴的整体系统，从而掌握琴中之“道”。正如陆游所说：“汝果欲学诗，工夫在诗外”。完整真切的感悟，才可强有力地支撑古琴演奏。如《斲匠秘诀》引雷氏之语：“选材良，用意深，五百年，有正音”。此外，《诗经》中已有关于古人选用木材的记载：“定之方中，作楚宫。樱之以日，作于楚室。树之棒栗，椅桐梓漆，爱伐琴瑟。升彼虚矣，以望楚矣。望楚与堂，景山与京……”。木质直接影响古琴的'音色，可视为古琴的灵魂。深受道家文化影响，斲琴之琴面与琴底的选材，都是以分别属阳与属阴的两种木质斲制而成，从而达到刚柔相济，阴阳互补的状态。阴阳结合乃生道，桐木属阳，斲成琴面拟天；梓木属阴，斲成琴底拟地。桐木木质松软、疏透，可使古琴音色优美通透；梓木坚硬、紧密，可使琴体坚固，不易变形。斲琴桐木，应选用纹理顺直、宽度均匀、硬度适中，无节疤和虫蛀等缺陷的良材。
另外，桐木越老越好，年份越久则越稳定，由于木液已尽，音色更为松透。新的木头因为湿度等原因，容易变形。弹性较好的桐木可以充分振动，坚实厚密的梓木琴底能够将声波反弹回去。然而，史料记载不少琴家择松衫之优者伐而斲琴，音色胜过梧桐，藏古松透。可见，因材而斲，合理取舍为斲琴之精髓。而选用桐木充分发挥振动效果，同时加以灰胎抑制振动，则体现了中国传统儒家思想“中庸”之主张。斲制古琴选用两种截然不同的材质，是为了获得更优美的共振发声，更在于独特声音的美学追求。而琴音品质的审美，在于琴人感受、呼应宇宙中的天人之道。在古琴斲作中，琴面与槽腹的制作及其相互结构相当重要。琴面的弧度与岳山、龙龈的高度不仅会影响古琴音色，还会影响到演奏时的手感。若岳山和龙龈过高，演奏时会觉得抗指，若过低，又会出现拍弦的声音。内在的槽腹结构也为历代斲琴家所重视。槽腹腔体的大小并没有统一标准，而是与面板、底板的薄厚、长短，以及木质的松紧、质地相互配合，进行调整。据宋代《碧落子斲琴法》中记载：“面厚肚窄，其声低而窒塞；面薄肚宽，其声高而虚鸣”。近现代斲琴家也多有共识：如果琴板不厚，而琴腹过大，音便会空而无韵；若琴身木材较紧和厚，此时假如琴腹过小，必然导致音色沉闷。因此，因地制宜，包容和谐，贯穿古琴斲作的各个环节。古琴斲制的后道工序是髹漆。古琴的漆胎大多选用鹿角霜与生漆合成。鹿角霜具有透音效果，而生漆可防潮、耐酸、耐磨，因此漆胎能够很好地保护古琴。同时，漆胎使弦与板箱共鸣体的耦合振动多了一层传播阻碍，因而造就了古琴深沉内敛的音色。这种音色也来源于古琴琴弦结构的特性。因为弦下没有品或柱，故而保留了其有效弦长的长度（通常在110－112厘米之间）。弦长越长，振幅则越大，频率也越低，吻和历代文人“中正平和”、“温良敦厚”、“虚静简淡”的审美情怀。古琴之美在于和谐，从斲琴到演奏，均体现出中国的哲学根基，可以说是传统人文精神的物化。中国乐器制造历史悠久，而古琴则是中国器乐艺术中集大成者。中国乐器在选材、构造、形制、音色等方面趋于自然，注重“中和之美”，使“天人合一”哲学观的内涵得到延伸和拓展。不仅中国乐器制造的理念如此，中医疗法的核心亦是如此。斲琴历史悠久，内涵博大精深，不仅包含深刻的科学思考，其丰富的文化价值与美学价值更值得研究与保护。有关上古先贤制琴，《礼记乐记》中记载，“琴上方浑圆取形于天，下方方正效法于大地”，也由此可见古琴寄托了古代文人雅士的胸襟与情怀。斲琴技艺集雕刻、漆艺、书法、音乐于一身，承载了“天人合一”的哲学思想。“天人合一”是中国哲学的基本精神，也是中国哲学异于西方的最显著特征。作为我国独有的美学理念与智慧的产物，在斲琴中，对材质的甄别、各部件的选择、尺度、髹漆的确立等，有着严格的要求，以一套和谐对应的工艺方法实现不同音色品质追求，体现着“天人合一”、“相生相克”的传统理念。
三、当代传承
由于特殊的历史因素，香港成为传承古琴艺术的福地。第二次世界大战后，不少琴家由内地南迁来港，其中便包括浙派琴家徐文镜。由于内地环境动荡，导致琴艺发展也停顿下来，而古琴的保存和传承在香港得以实现。年屆八十的蔡昌寿于一九五零年代随琴家徐文镜学斲琴，是香港最后一位按古法炮制古琴的斲琴老师。在港坚持亲手斲琴五十年的蔡昌寿师傅潜心钻研，将其视为一种艺术创作，一生倾注于服务本地和海外琴人。同时，他还致力于传授斲琴手艺，于1993年开班授徒，坚持亲自口传心授一众琴人，希望将完整的古琴教育保存和传给后世，并希望重新兴起古人自弹自斲的古琴文化，使中国传统得以代代相传。位于香港九龙的赛马会创意艺术中心内的“蔡福记”，便是蔡昌寿经营的乐器厂。经历了六十年代至八十年代由盛转衰的变迁，现如今的“蔡福记”乐器厂只生产古琴，并传授古琴的斲琴技艺，反映出蔡昌寿对弘扬古琴文化的专注。跟随蔡昌寿学习斲琴的人士来自各行各业，包括医生、教师、音乐家、飞行员等，可见蔡昌寿收徒不拘一格。然而要有所成就，则需要长期的坚持与磨炼。斲琴技艺不是一门单独的工艺，而是整个古琴艺术中的重要一环，是整个古琴艺术体系的基础。在当代，斲琴技艺无论是传承还是改良，是注重文化价值还是经济利益，都是“牵一发而动全身”的举措。随着香港古琴艺术申遗成功，笔者认为，发展传人，传承技艺才是第一要务。香港不乏热爱古琴艺术的琴人，有些甚至将弹琴与斲琴结合，延续了琴人自制琴器、斲琴自弹的传统。对于普通古琴爱好者，若能更深入关注并了解斲琴技艺，才可透彻理解“琴道”，把握中国哲学观念的精髓。在保护非物质文化遗产的道路上，若能将更多关注与努力注入古琴艺术多方面的平衡发展，注重斲琴艺术与传承人，才能避免斲琴艺术的独立化，或使斲琴传承出现断层，从而由整个古琴爱好者群体、演奏家、专家学者，共同完善古琴艺术发展与传承的体系。
参考文献：
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岭南广绣传统工艺论文
一、针法多样
针法主要包括基础针法、辅助针法、象形针法三大类共六十余种，《广州刺绣针法》一书记录的广绣针法有七大类二十八种针法，包括直扭针、捆咬针、续插针、辅助针、编绣、绕绣、变体绣等以及广州钉金绣中的平绣、织锦绣、绕绣、凸绣、贴花绣等六大类十余种针法。七类二十八种针法，是通过岭南地区多代绣工的经验总结而形成的，但这并不意味着广绣针法的终结，这只是对前人针法做了相关总结，经过时代更迭，广绣针法亦会发生变化。同幅广绣作品刺绣过程中，通过主针法和其他针法相互搭配，配合使用相关色线，可将所设计的物象形态生动地体现出来。如陈少芳大师所绣的《他日相互》，采用了撕针法，通过各种色线搭配，将两只小鸡及青草景色绣绘得淋漓尽致，宁静安闲、典雅高贵的意境呼之欲出。
二、寓意深远
广绣的图案都具有相关寓意，往往寄托了人们的美好祝福和愿望，绣工通过绣绘这些图案来表达当时人们的各种情感和文化观念，经过长时间的流传，这些图案自然而然成为民族珍贵文化遗产。广绣做工精细，针法生动，图案秀丽，色彩雅洁，题材上多选择景物和动物，通过对事物的描绘，表达了刺绣者内心所期待的事和物，形成了“图必有意，意必吉祥”的说法。在广绣中就能够找到大量的实例，如所绣的鱼象征着年年有余，花生、石榴、葡萄果实等象征着多子多福，长青图、猫和蝴蝶、桃和桃花象征着长寿，萱草象征着美好幸福生活，莲藕荷花图象征着因合得藕、天赐良缘的寓意。广绣图案表达了当时民众对美好生活的向往，表达了人们的真诚心声，并得到了民众的普遍认同，才使得图案在历史的淘洗下保存下来，成为了众人所选用的题材。
三、布局饱满
广绣的图案繁茂，装饰性较强，很少有空隙。即使有空隙，也会选择物或是景来填充，使其图案显得饱满。传说广绣与黎锦同源，黎族精于刺绣，以针线紧密色彩丰富见长，能在青蓝土布上绣出繁密的几何图案，艺术性十分突出，可见广绣纹饰细密，本来就是传统。广绣内容取材广泛，一般广绣的图稿设计都会选择格调高雅、画面恢宏的国画、装饰画、优秀摄影作品以及近代兴起的油画作为底稿，内容题材主要涉及山水和花鸟，通过对静止的景物以及生动的动物嬉戏的绣绘，充分展现刺绣艺术绣画交融的精湛技艺和表现力。
四、色调丰富
广绣品种多样，最主要有两大品类：一是盘金刺绣，二是丝绒刺绣。盘金刺绣以金钱为主，辅以彩纷刺绣，金碧辉煌，灿烂夺目，雍容华贵。丝绒刺绣凯丝纤细，色彩缤纷，绣出的花鸟尤其精美。传统广绣的色彩十分丰富，设色鲜明艳丽、重荫叠翠，大胆发挥补色的对比作用，反差强烈，着力渲染热闹、欢乐的气氛。当代广绣仍保留华丽典雅的色彩，主要分为两类：“威彩”以较满的色彩为主调；“淡彩”以三间色为主调。色彩根据刺绣品种而定。例如绣喜帐用“威彩”，绣文房用品用“淡彩”。传统的广绣在色调上的处理讲究“随类赋彩”，注重表现物体本色，而不在乎各种颜色的搭配，使得视觉上能达到更好的效果。但由于物体的颜色是受外部光线影响而改变的，色调上处理的缺陷，在一定程度上抑制了广绣在技术上的提升。直至17—18世纪，广绣开始与西方文化艺术进行融合，色调处理开始从写实转化为强调物象的逼真和立体感，加上近年来绣工对广绣传统工艺的深入研究，借助新型丝线在不同角度所观察到的颜色不一样的特点，使得广绣作品仿真度甚至超过了图片。
五、传承生态
广绣是作为区域文化基础上发展起来的独特文化。广绣与广府文化的共生、共存、共发展是广绣传承的根本生态，广绣与其他刺绣及文化的交流是广绣传承的'衍生态。根本生态与衍生态构成了广绣传承生态系统。独特的广府自然生态是孕育广府文化和广绣文化的自然基础。以广州为中心的广府地区，是珠江水系冲积形成的三角洲，是典型的水乡文化区。独特的地理位置与自然物产，促进了传统刺绣业的产生与发展，又为广绣形成自己风格特征创造了条件。如广绣作品中大量以南方自然物产、风光为题材，使得广绣具有鲜明的岭南特色。独特的广府民俗、艺术生态是广绣发展的文化基础。广府地区的民间祭祀、节日习俗，如北帝诞、菠萝诞、妈祖诞、赛龙舟、乞巧节、宗祠祭祀中使用的神帐、旗幡、服装大都需要广绣来装饰。广府地区的民间艺术，如粤剧、飘色、鳌鱼舞、麒麟舞、狮舞、龙舞中的服饰、布景、旗子等也都需要广绣来装饰。此外，广府人的传统嫁妆也大量需要广绣。所以，广府民俗生态是民俗性、生活性和艺术性广绣传承发展的基本生态。结语广绣作为中国四大名绣之一，是珍贵的非物质文化遗产。它独特的工艺特点，是特定时期、特殊环境的社会文化和民间风俗的重要载体，反映了人们的审美观念和文化内涵。由于种种原因，广绣面临着濒临消亡的危险，因受到政治影响而致民间情韵渐逝，构图逐渐向国画靠拢，2l世纪初更有以著名油画家的作品为蓝本的创作方式。这些现象，都体现广绣自身的审美倾向受到现当代审美观念的冲击与影响。
现代设计与我国传统工艺论文
一、传统艺术发展存在的主要问题
近年来，传统工艺得到了社会的高度重视，逐渐发展起来。但是，传统工艺在发展中面临的问题也日益凸显。其一，文化气息减弱，产量较低。无论平面设计或家居设计，甚至建筑设计，现代设计受西方现代主义风格影响较多，传统工艺在现代设计中的民族文化气息正在逐渐减弱。作为日用品与工艺品，传统工艺的产量较低，不能有效满足当今社会的巨大消费需求。其二，缺乏创新精神。传统工艺在发展中要适应当今社会的审美需求，不能故步自封、缺乏创新，否则传统工艺将难以融入现代设计的环境。其三，经济效益过低。传统工艺的低廉价格直接影响了行业的发展，一些艺人无法维持基本生计，导致行业人才流失，进而造成传统工艺得不到有效保护，甚至面临失传的困境。
二、传统艺术在现代设计中的结合与发展
就传统工艺的产品、制作技法、应用价值以及工艺人才等方面而言，传统工艺因其独有的造型和文化，取得了现代设计中无可取代的地位。传统工艺虽然具有浓厚的`文化底蕴，但是在传承方面缺乏创新思维。现代设计具有创新性与交互性的特点，传统工艺应该在现代设计中结合当今的市场需求，寻求发展的共通性，相互融合、相互补充。只有这样，传统工艺才能够在现代设计中重新焕发生机与活力。传统工艺与现代设计具有互补性，两者可以相互结合，不断变化与创新。无论是工艺的技法、材质、价值，还是培养传统工艺的高技能型人才，都决定着传统工艺能否在当今社会得以延续。而提取传统工艺的装饰元素融入现代设计，不仅能够使传统工艺品进入现代市场，更能够唤起传统工艺的新生命。青花瓷工艺也是我国的重要传统工艺，青花瓷亦是我国名瓷之一。青花瓷工艺设计除了日常人们所见的瓶、碗等摆件之外，近年来更加贴近生活所需，推出了钢笔、鼠标、闪存盘等青花装饰用品，赋予传统青花瓷产品以现代生命。在2022年北京奥运会中，会徽“我国印舞动的北京”更体现出传统工艺在现代设计中所呈现出的民族气息。在2022年上海世博会中，极具我国特色的我国馆吸引了众多外国游客的眼球，“我国红”的设计元素和“东方之冠”的古帽外形，在设计的每一处角落无不散发出浓厚的我国传统工艺的气韵。
三、结语
上述的材料与事实说明，任何形式的艺术如果得不到现实的推动与发展，就会处于一种“冬眠”的状态，停留在固化的模式上，艺术的鲜活生命就无法延续。只有把我国的传统艺术与现代设计相互结合，历史悠久的我国传统艺术才能够得到更好的延续与发展。流传数千年的我国传统工艺，是中华民族文化与艺术的结晶，它与现代艺术设计的结合，蕴藏着巨大的经济效益。我国的传统工艺在生活中起源，也理应回归生活，在生活中得到保护和发展。